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艺术快讯
 
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无声诗里写千秋

——谈怎样欣赏中国山水画 (上)

 

    随着社会物质文明和精神文明的发展,当前,越来越多的人成为中国画的爱好者。但是,如何欣赏、评价一幅中国画,一幅什么样的画才能堪称佳作?这里仅就中国的山水画作一浅略介绍。

中国民族的绘画——中国画,有着悠久的的历史。经过不断地延续和发展,中国画形成了山水、花鸟、人物等独立的画科,并且都自成体系;特别是中国山水画,以表现大自然的美为绘画内容,经过一千多年的发展,形成了具有鲜明民族性的艺术形式,与同是反映大自然美的西欧风景画相比,具有独特的表现形式和特点。西欧传统的风景画注重写实,山川、森林、海涛、落日、帆影等真实的物象,逼真的色彩,自然的光影,使人一目了然,仿佛是自然景物的再现。这种写实的绘画形式是在西方古典哲学思想的制约下形成的。中国的山水画则是受老庄哲学思想的影响,“寄情于景”、“寄情于物”,以深刻的理解,探求着景物本质的特征和内在的生命力,以表现人对自然美的认识和理解。历史证明,中国这种独特的传统美学思想是进步的并极有生命力的。

随着西方科学的发展和哲学观念的变化,西方绘画的美学思想也在不断的发展。从印象派,到现在构成主义、表现主义的出现,西方绘画越来越重视人的自我表现,从具体物象的再现写实手法到抽象的表现手法,西方现代派美学思想,逐渐与中国传统美学思想殊途同归。所以,了解与认识中国山水画的发展历史,不仅对继承发展传统艺术,欣赏山水画有重要意义,而且也有助于对西方现代艺术的理解。

中国山水画之今古

中国山水画在南北朝时期,只作为人物画衬景而存在;即使到了隋唐,山水画也还是处在较幼稚的阶段,不过已经向着独立的画科发展了。史有记载的当时山水画家有展子虔、吴道子、李思训及王维。至“五代十国”时,北有荆浩、关仝,南有董源等,均致力于山水画创作,并创立了皴染等技法,丰富了山水画的表现力,使山水画作为独立存在的一门画科逐步走向成熟。北宋时期经济、文化的繁荣,使山水画达到很高的水平。代表画家有李成、范宽、巨然等。宋王朝南渡偏安,画坛上出现了以刘松年、李唐、马远、夏圭为代表的山水大家,他们的绘画艺术独具风貌,各有妙境,为后世山水画的发展奠定了基础。元代四大家:黄公望、倪云林、王蒙、吴镇以简洁、洒脱的艺术手法,使元代山水画别开生面。明初,王绂、戴进师承元人绘画的技法,各有成就;沈周、文征明、唐寅、仇英“吴门四家”,各具风格,名震一时。清代,山水画流派众多,名家辈出,最有成就的当推石涛、石溪、八大、渐江、梅清等。清代以后的现代山水画在继承传统的基础上,又有新的发展,张大千、黄宾虹、傅抱石、潘天寿、赵望云、钱松岩、石鲁、颜地、李可染、谢稚柳、亚明、宋文治、秦岭云等,一大批著名的山水画家,均对传统山水画的继承和发展做出了一定贡献。

山水画漫长的发展历史,留给了我们许许多多优秀的作品。这些优秀的山水画,何以使人赏心悦目,感到意味无穷呢?宋代文豪苏东坡曾说:“诗是无形画,画是有形诗”。这一语堪能道破山水画之奥秒。山水画家将诗情画意兼容并蓄,融注于笔墨之中,构成山水画特有的艺术美。一幅成功的山水画,首先能造成一种情景交融、富于感染力的艺术境界。正是这种“超以象外,得其环中”、言欲尽而意无穷的艺术境界,在吸引、感染着观众。

中国山水画的意境

意境是中国山水画的灵魂。中国画家讲求“外师造化,中得心源”,在对主客观绘画表现中,以主观表现为主,力得一个“意”字,借助于客观景物,以抒发画家对美好景物所产生的情感,从而“借景抒情”,创造一种景在画中而意在画外、情景交融的意境。如古人所说:“山水不出笔墨、情景,情景者境界也……能令观者目注神驰,为画转移者,盖因情景入妙,笔境兼夺,有感而通也。”

历代山水画家在创作中总是首先在意境上熬费苦心,在这方面前人给我们留下了许多范例。如五代画家关仝所作秋山寒林、村居野渡等景物,使观者“悠然如在灞桥风雪中、三峡闻猿时,不复有市朝抗尘走俗之状”。画家描绘的景物并没有直接画灞桥风雪及三峡闻猿,却因为画家有崇高的艺术境界,超俗的胸怀和深厚的艺术造诣,给观者造成一种“目注神驰”、“心游画外”的艺术境界。这就是山水画意境的神气作用,当然,此并非任何画家都能达到的,非心地脱俗、境界高超的画家而莫及。“恼人春色不在多,万绿丛中一点红”的诗意,经画家之意境处理又有新的表现,曾有画家在初春绿柳的画面上,画一少妇翘首盼望远方的征人,只以少妇的朱唇点出话题,便引人入胜,使人联想到画面以外的许多情景。

现代画家中同样在山水画的意境创作上,留给我们很多富有诗意的作品,如齐白石的《蛙声十里出山泉》、潘天涛的《小蓬船》、傅抱石的《西风吹下红雨来》、李可染的《杏花春雨江南》、石鲁的《家家都在花丛中》等。

一幅感人的山水画常是写景写情,趣味隽永,意象幽深,把观众引导到一个无比美妙的艺术境界。“笔愈简而气愈壮,景愈少而意愈长”。“景少意长”概括地说出了山水画艺术境界的特点。由此看来,在欣赏、评价一幅山水画时,意境的高低,无疑是应该摆在第一位的。要提高对山水画的欣赏水平,就要加强自身的艺术修养,多观摩好的作品,多分析作品,以求了解画家在创作一幅作品时艺术境界的构成和创作意图,久之,耳濡目染,潜移默化,就不难领略山水画中意境的美妙。      

 

 

无声诗里写千秋

 

——谈怎样欣赏中国山水画(下)

 

 

中国山水画的笔墨

笔墨是构成中国山水画特点的重要因素。一幅山水画的意境是画家通过一定的形式表现出来的,中国山水画的独特形式是由笔墨、构图、色彩等特殊的因素决定的,而尤以笔墨为重要。毛笔、宣纸、水墨、是中国画特有的艺术表现工具。

综观历史好的山水画作品,无不是笔墨的精妙,趣味横生。南齐谢赫的《六法论》历来被视为品评国画水平高下的标准,唐代张彦远论“六法”时说:“夫象物必在于形似,形似须全其骨气。骨气形似皆本于立意而归乎用笔”,把骨法用笔提到一个相当的高度。中国绘画与书法同出一辙,历来就有“书画同源”之说。书法是完全以抽象的线条的表现力构成美的感染力。这种被注入人的情感的具有生命力的线本身,就具有独立的美学价值。中国绘画的用笔与书法用笔相同,在用笔墨创造物象的同时,需要使笔墨具有体现作者思想感情和气质性格的表现力。因此,历代山水画家无不在笔墨上寻求各自的艺术语言,创立自己的艺术风格。如董源的苍郁清润,范宽的雄健厚重,郭熙的齐峻明洁,米芾的潇洒飘逸,李唐的劲俏壮伟,皆有各自不同的追求。画家用笔在表现主观思想的同时,反映客观物象也具有自己的特征。山水画中的石头的种种“皴法”(如披麻皴、斧劈皴、解索皴、折带皴等等),树木的种种“点法”(如梅花点、胡椒点、混点、个字介字点等等),都是根据自然界景物的不同特征,创造性地形成各种用笔方法。用墨,同样是中国画的一大特色,行家称之为“墨法”。墨法之妙,全从笔出,所谓“笔歌墨舞”、“笔精墨妙”,形象地道出了笔墨之间相辅相成的关系。山水画的笔墨功能,正如前人所说:“笔以立其形质,墨以分其阴阳。”特别是水墨画的创立,使山水画的笔墨表现有了更广阔的天地。历代优秀的山水画都是建立在精妙的笔墨基础上的,如石涛,他最善于用笔用墨,他的山水画水墨淋漓,墨中见笔,他曾总结“笔非生活不神,墨非蒙养不灵”。强调用笔墨表现生活情趣及自己的感受。现代山水画家李可染先生晚年墨法神奇多变,以积墨、重墨、破墨之法作画,作品浑厚华滋,所谓“千裂秋风,润含春雨”,对传统墨法既有继承,又有突破。张大千、谢稚柳则泼墨,泼彩,墨彩并用,随心所欲,一气呵成,各自形成鲜明的风格特色。

山水画的用笔用墨是衡量一幅作品好坏的技术标准,也是窥见画家功力、表现画家风格的突出特征。人们在欣赏画家们的作品时会因不同的笔墨表现,得到或明快、或浑厚、或华滋、或凝重、或淡泊等不同的艺术感受。

中国山水画的构图与色彩

中国画的构图,亦称章法。东晋时顾恺之提出的“置阵布势”,南齐谢赫提出的“经营位置”,都是指构图而言。可见章法早为画家所重视。画家作画犹如兵家步阵,“置阵布势”,形象地说明作画时画家成竹在胸,发挥主观能动的必要性。山水画通过章法借以表现三度空间,已成为定责。山水画运用深远、平远、高远诸法,取得真实动人的艺术效果,创造性地把散点透视运用于创作中,使观者按画家意图,随时保持视线的最佳角度,以更好地为突出形象和主题服务。历代山水名家常以独特章法取得惊人的艺术效果。展子虔的画“远近山川,咫尺千里”;五代荆浩、关仝的画则多以层峦叠嶂、全景山水、章法繁密,取得气势宏伟、博大的艺术效果;南宋马远、夏圭的画,则境界清幽,章法疏简。山水画的章法即依据画家创作意图的需要灵活多变的,又有一定法则可循,如“三远”、“三叠”、“疏密”、“轻重”、“开合”等,既中国画独特的章法。现代画家中对山水画传统的章法,多有创新突破。以清新巧妙的构图形式赋予作品以新的境界,如傅抱石、石鲁及一些中青年山水画家的优秀作品,均在构图上有继承又有创新,表现了各自独特的风格。

中国画历来讲究色彩的运用。传统山水画的设色,不同于西洋画强调光、色、影的复杂变化、而追求画面总体的装饰美,以达到明朗洁净的艺术效果。山水画的设色分重彩、淡彩两类。重彩山水又称为青绿山水,淡彩称为浅绛。历代画家在山水画的设色方面留下丰富的经验。如顾恺之画云台山,以石青敷染天水,得天空水阔之感;李思训的金碧山水,富丽堂皇;王蒙画《岱宗密雪图》以粉弹之,得瑞雪飞舞之态;赵伯骕《东山图》青绿泥金重着色,然后大青大绿如墨化之,色彩鲜明生动。现代山水的设色在传统的基础上,吸收西画用色之长,使山水画的设色方法更绚丽,更丰富完美。中国画家张大千域外变法,使山水画吸收西方印象派和抽象派的色彩特点,以泼彩法为之,取得成功。一些有志于山水画创新的中青年画家,也在用色上融会古人及中西画的特长,即保持民族艺术风格,又推陈出新,使传统的山水画设色技法大大向前发展了一步。

诗书画印有机结合

诗、书、画、印的有机结合,是中国画独有的特色,也是山水画的特色。山水画中的题跋(又称落款)、盖印(又称钤印),有丰富的内容形式。山水画的题跋,不但可以记录作画者的姓名、时间、地点、成画的原因等,还可就画的主题、画法上的探索心得作深刻的阐述。文体多样,喜、怒、笑、骂,皆成文章;书法则是真、草、隶、篆、行,视画面需要任意选用。如元代画家赵孟頫在《枯木竹石图》上的提诗:“石如飞白木如籀,写竹还与八法通,若也有人能会此,须知书画本来同。”极精辟地阐述了“书画交融”的道理。近代齐白石、黄宾虹、潘天涛、李可染、谢稚柳等人,都有一些脍炙人口的题跋。读了这样的题跋,可以引起人们的联想深思,使艺术意境、审美情趣更加浓郁深化,使观赏者得到更多美的享受。印章在书画上使用始于宋代,成于元明,盛于清。印章分名章(刻有作者姓名)、闲章(分押角、起首),形式有朱文、白文之分。内容灵活,形式多样。特别是闲章,有三两字到几十字不等,用来表达作者的艺术见解、创作体会、治学态度、处世哲理、师承关系等。如石涛的“搜尽奇峰打草稿”,傅抱石的“往往醉后”,潘天寿的“不雕”,李可染的“白发学童”等,都可以使读者在笔墨之处听到作者的心声,增加了不少亲切感和隽永的回味。从山水画的形式看来,题跋与印章的色彩鲜明对比,有如画龙点睛,成为画面上不可缺少的有机组成部分。诗、书、画、印有机地统一于画面,可以反映画家的全面艺术修养,给人综合的艺术的享受。

 

作者:刘宝纯  高延军

时间:1986年3月12日

摘自《知识与生活》

 


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